舞台上的戏，除了离不开演员的表演，更离不开演员的表演空间。我们看戏的时候，除了看故事、看表演，还爱看舞台的布景、舞台上的灯光、道具，而这些归根到底都属于舞台美术的部分。

舞台设计与人物造型是舞台美术创作的两大组成部分。狭义的舞台设计指景片、幕布和平台等搭配成的景物的实体，广义的舞台设计是指为演员开展动作的一切围绕物的造型处理。舞台设计的任务是为戏剧演出创造一个特定的表演空间。

昆曲《牡丹亭》舞美设计：刘杏林

在中国，传统戏曲剧种以唱腔划分，并且以唱腔区别各类流派，人们习惯“听戏”而非“看戏”，因此传统戏曲舞台的舞美是简单的“一桌二椅”。传统戏曲表演方式里中极强的假定性也要求布景简单、设计写意的舞台。

纵观世界的舞台美术发展历程，总是与同时代的艺术和科技发展紧密相关。15世纪意大利建筑家菲利普·布罗尼莱斯卡奠定了科学透视法的基本原理。年，意大利建筑家帕莱格瑞尼·达·乌地尼 次在舞台上挂透视画，透视法被用在舞台美术上。18世纪以后，各种主要绘画流派几乎在舞美中反应，形成绘画布景时代，19世纪末，箱形布景，建筑艺术成为借鉴对象。19世纪，电与电灯的发明以及机械技术的进步，为20世纪初各流派的舞台美术发展提供了条件。20世纪50年代，新的舞台技术和新材料，对舞台美术的更新也起了推动作用。

瑞士舞美家阿尊尔夫曾说，“舞台美术的基本任务不在于表现森林，而在于表现森林中活动的人。”舞美设计并不是单一创造布景，还要承担一系列戏剧任务：表现戏剧事件和环境的特征，这是我们对舞美设计最初的印象，舞台开幕，呈现在我们面前的舞台设计，几乎就告诉了我们整个故事的类型和背景；舞美设计还为人物动作提供物质的支撑条件，当我们观看演员表演的时候，演员的动作、表情变换与灯光的变换紧密相关，演员的动作和行动虽然有一定的假定性，但是也需要舞台上实实在在的的装置和道具与之配合；舞美设计还负责创造有感染力的舞台气氛， 的舞台设计有利于故事的推动以及表现角色心境的转换； ，一台戏的舞美设计显示的是戏剧的体裁和风格。

苏联舞台美术家阿·维·雷科夫在50年代提出，形象性是舞台美术创作的首要任务，指景物造型应在不同程度上形象地反映出剧中人物的思想、性格或心理、情绪等某方面的特征。舞美设计应着力表现生活在具体环境中的人物和人物的行动。舞台美术在创作中受到戏剧演出中的特定的条件限制，很多情节无法直接展现，需要在表现手段和艺术形式上所具有假定性。在创作时，要借助演出时空本身存在的假定性因素或直接采用假定性艺术手法，作为由现实生活时空达到演出时空的桥梁。

*文字资料参考于《舞美辞林》

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